[Cinéma] «L’Amour et les forêts» : la guerre est déclarée

Avec « L’Amour et les forêts », Valérie Donzelli décortique les mécanismes de la violence conjugale dans un film grandiose et étouffant, qui passe du conte de fées au thriller.

«Glisser de Rohmer à Hitchcock», voilà le pari que s’était posé Valérie Donzelli pour son sixième long métrage, L’Amour et les forêts. La réalisatrice française a construit depuis le crépuscule des années 2000 une œuvre à la fois fantasque et sérieuse, remplie d’une énergie folle. Elle a déjà abordé l’amour sous le prisme de la maladie avec La Guerre est déclarée (2011), puis sur le ton de la comédie romantique à la française dans Notre-Dame (2019).

En adaptant le roman d’Éric Reinhardt L’Amour et les forêts, paru en 2014, Valérie Donzelli change de peau, encore et toujours, y compris à l’intérieur même du film, tout en soufflant sur les braises d’un sujet de société : la violence conjugale, infligée à petit feu et sournoisement sur une femme par son mari. Elle s’appelle Blanche Renard (Virginie Efira), est prof de français dans le village de Normandie où elle a toujours vécu avec sa mère et sa sœur jumelle; un soir, elle est séduite par Grégoire Lamoureux (Melvil Poupaud), une vieille connaissance perdue de vue. Ils tombent amoureux, se marient, déménagent, ont des enfants… sans que jamais Blanche voie, pendant tout ce temps, l’étau se resserrer sur elle.

Elle adhère à l’idée que le mariage, c’est pour le meilleur et pour le pire

Lorsque Blanche commence à prendre conscience qu’elle vit terrée dans la peur du mari toxique, son premier réflexe est de s’inscrire sur une application de rencontres, à la fois comme un challenge envers elle-même et comme une façon de prendre, en cachette, une bouffée d’air frais. Le prénom qu’elle s’invente pour protéger son identité, c’est Emma, comme l’héroïne de Flaubert qui conjure son ennui dans l’adultère.

Valérie Donzelli reconnaît elle-même avoir «un pied dans la réalité, l’autre dans la fiction». Ici, c’est bien sûr un mécanisme qui définit la position du personnage face à l’emprise dont elle est victime. Peut-être parce que la littérature et l’imaginaire sont tout ce qu’elle a. N’en déplaise à son mari, qui insiste sur le fait qu’elle n’a «besoin de rien» d’autre que lui – ni voiture, ni métier, ni compte bancaire à son nom…

Blanche «n’est pas tordue, pas dans un rapport de force avec les autres. C’est une amoureuse de l’amour, elle veut être aimée à tout prix. Elle adhère à l’idée que le mariage, c’est pour le meilleur et pour le pire», explique Valérie Donzelli. «Alors, qu’est-ce qu’on fait de nos sentiments quand ça commence à mal tourner ?»

Tout échappe à Blanche d’un coup brutal, quand «Lamoureux» – même après le mariage, il est souvent appelé par son nom de famille – annonce qu’il a été muté à l’autre bout de la France (à Metz, précisément), et que le couple doit déménager. De même que, pour Blanche, c’est le début d’un cauchemar qu’elle ignore encore, pour Valérie Donzelli, c’est le moment de faire basculer son film du conte de fées au thriller.

Je voulais créer un salopard de cinéma. Propre sur lui, sec, tendu

Après une première partie colorée, qui évoque plutôt Jacques Demy que Rohmer, d’ailleurs (les sœurs jumelles et les papiers peints à motifs, ainsi qu’une scène romantique «en chanté» témoignent dans ce sens), on entre dans l’angoisse d’un univers hitchcockien, symbolisé par une maison à l’intérieur vaste et sans cloisons, mais profondément austère.

La réalisatrice admet que c’est une scène qui se déroule dans cette maison qui l’a décidée à adapter le livre d’œÉric Reinhardt, celle «où Grégoire Lamoureux fait son mea culpa après avoir entendu à la radio le portrait d’un homme maltraitant sa femme. Comment il retourne la situation pour se poser en victime, et comment ce stratagème pervers fait mouche, parce que la véritable victime de ses agissements ne sait pas y résister.»

Si Valérie Donzelli compare volontiers son actrice à Tippi Hedren, la star de The Birds (1963) et Marnie (1964) qu’elle considère comme «la référence» absolue pour Virginie Efira («Elles se ressemblent, je trouve : elles ont des visages parfaits, rien qui dépasse»), Melvil Poupaud, lui, avait envie de «créer un salopard de cinéma. Propre sur lui, sec, tendu. Un homme d’apparence paisible, mais profondément noir à l’intérieur.»

Mieux qu’un rôle à contre-emploi, un personnage complètement inédit pour l’acteur que l’on connaît surtout pour sa douceur et sa fragilité. C’était tout le pari – réussi haut la main – de ce film, dans lequel le mari, toujours de noir vêtu dans la seconde partie, existe comme une entité maléfique, où son absence à l’écran est effacée par son omniprésence dans le son (les appels téléphoniques, les bruits de pas, tout ce qui décrit et décortique les mécanismes de la toxicité).

«On a commencé le tournage avec les scènes les plus violentes», raconte Virginie Efira. Son personnage étant le centre du film, elle se souvient que cette «violence très intime», bien que jouée «avec un partenaire en qui on a confiance», «s’imprime dans le corps pour le reste du tournage». Elle ne manquera pas non plus de marquer l’esprit des spectateurs.